Exposición dedicada a los 45 años de El Jueves en el Museu del Còmic de San Cugat del Vallès

Mascosta SUPER C del Museu del Còmic

La exposición temporal del Museu del Còmic de Sant Cugat dedicada a la revista satírica El jueves, con la colaboración de la Fundación Gin y Humoristan se podrá visitar entre los días 23 de noviembre de 2021 y 27 de febrero de 2022.

La revista EL JUEVES apareció en los quioscos españoles el 27 de mayo de 1977. Nació con la vocación de ser “un Pulgarcito para adultos” -así lo encargó su primer editor, José Ilario- sumando dibujos satíricos de la actualidad y personajes fijos costumbristas. Casi 45 años más tarde parece que la fórmula no era desacertada. En esta exposición podemos contemplar una pequeña muestra de algunos personajes que hicieron historia en la revista.

Hacer una revista semanal no deja de ser un proceso industrial que exige trabajar siempre con prisas, con plazos fijos de entrega, sin margen para recrearse en la creación artística. A pesar de ello, en El Jueves siempre se publicaron dibujos de altísimo nivel incluso cuando la reproducción (años 80) no reflejaba la calidad del dibujo original. Aquí podréis ver una pequeña selección de estas muestras de arte popular.

Además, en el 25 aniversario de su muerte, queremos rendir un especial homenaje a Gin, que fue director artístico de la revista (1981-1995) y colaborador destacado como caricaturista y portadista en los años 80 y 90. Esta exposición está organizada por la Fundación que lleva su nombre y que se constituyó en 1997 para guardar memoria de su persona y para promocionar lo que siempre le apasionó: el humor gráfico.

Más informacón: Web del Museo

Ganadores del I Certamen Nacional "ELGAR" de viñetas periodísticas

Gallego y Rey, premio Certamen Nacional 'Elgar' de Viñetas Periodísticas por su trayectoria profesional

Miki y Duarte, ganadores en la categoría Mejor Viñeta 2017 por su trabajo sobre el conflicto catalán publicado en el Grupo Joly

El jurado ha aprobado por unanimidad otorgar un reconocimiento honorífico a Antonio Fraguas 'Forges', recientemente fallecido

Los humoristas gráficos José Gallego y Julio Rey, conocidos profesionalmente como 'Gallego y Rey', han sido distinguidos con el premio del Certamen Nacional 'Elgar' de Viñetas Periodísticas por su trayectoria profesional.

En la categoría Mejor Viñeta Periodística de 2017, los ganadores han sido los malagueños Manuel Luis Gallardo y José Francisco Duarte, 'Miki y Duarte', por su viñeta sobre el conflicto catalán publicada el pasado 8 de octubre en los periódicos del Grupo Joly, entre ellos el diario Málaga Hoy.

El jurado, que se reunió ayer en la Asociación de la Prensa de Málaga organizadora del Certamen junto a la Fundación Manuel Alcántara, adoptó ambas decisiones por unanimidad tras valorar los trabajos presentados por una treintena de candidatos.

Ambos premios, patrocinados por Samsung y la Obra Social "la Caixa", se entregarán en la Semana de la Prensa del 2 al 6 de mayo, dentro de los actos conmemorativos del Día Mundial de la Libertad de Prensa.

Así mismo, los miembros del jurado han aprobado por unanimidad la petición formulada por la Asociación de la Prensa de Málaga de otorgar un reconocimiento honorífico a Antonio Fraguas 'Forges', recientemente fallecido, por su importancia en el campo del humor gráfico.

Premio Mejor Viñeta Periodística de 2017
Miki y Duarte

Más información

| Noticia en la Web de la Asociación de la Prensa de Málaga |

Exposición "Humor gráfico catalán en tiempos difíciles" en la Fábrica del Humor de Alcalá de Henares

Del 5 de abril al 6 de mayo se podrá visitar, en la Sala de Exposiciones de la Fábrica del Humor de Alcalá de Henares, la exposición "Humor gráfico catalán en tiempos difíciles", organizada por el Instituto Quevedo de las Artes del Humor (IQH) y la Fundación GIN (Humoristán)..

La muestra, comisariada por Jordi Riera Pujal, cuenta con sesenta y seis obras de humor gráfico, que pretende mostrar el talentoso trabajo de la generación de autores que publican humor gráfico actualmente, además de reunir el trabajo humorístico de los mejores profesionales del medio, ya sean nacidos o muy vinculados a Cataluña.

Cuestiones como el complicado momento político que vive la sociedad catalana en estos momentos queda reflejado, pero los autores también han tratado otros temas sociales o existenciales.

La exposición se compone de una serie de viñetas, escogidas mayoritariamente por los autores, que exponen una gran riqueza de estilos gráficos, diversidad de opiniones, y formas de abordar el género del humor, ya que hay tanto caricaturas como tiras humorísticas y cómic, y chistes gráficos.

Datos de la exposición

Lugar: Sala de exposiciones de la Fábrica del Humor. Calle Nueva 4. Alcalá de Henares
Fechas: Del 5 de abril al 6 de mayo de 2018
Horario: De martes a sábado, de 12 a 14 y de 18 a 20 horas. Domingo y festivos, de 12 a 14 horas
Entrada: Gratuita

Más información

| Web del Instituto Quevedo de las Artes del Humor |
| Web de Humoristán |

El Museo ABC presenta la exposición "Joaquín Xaudaró. La buena gente" que se podrá visitar del 4 de abril al 16 de septiembre de 2018

La mirada de un maestro

El Museo ABC presenta la mayor retrospectiva dedicada al dibujante e ilustrador Joaquín Xaudaró. La muestra, que alberga un total de casi 200 obras originales, podrá verse desde el 4 de abril hasta el 16 de septiembre.

Joaquín Xaudaró (Vigan, Filipinas, 1872- Madrid, 1933), fue uno de los dibujantes clave de la décadas de los años 20 y 30 de la prensa española. Su reconocible trazo y su gusto francés hicieron de él uno de los creadores gráficos más demandados, llegando a trabajar para publicaciones como Blanco y Negro, Barcelona Cómica, Gedeón, The Monigoty, La Saeta y Gente Menuda y con editoriales francesas como Flammarion, Ollendorf, Mericaut o Garnier. Además de su faceta como ilustrador, Xaudaró también colaboró con la industria audiovisual en la creación de dibujos animados para compañías como Gaumont, e incluso llegó a fundar la SEDA (Sociedad Española de Dibujos Animados).

A pesar de su prolífica carrera, son muchos los que conocían a Xaudaró por su dibujo más identificativo, el perrito de orejas puntiagudas que incluía en sus viñetas con el fin de introducir al lector en cierto estado de ánimo para examinar las escenas.

Joaquín Xaudaró. Historieta muda de espanto.
Susto morrocotudo, 1928 ©Museo ABC

El Museo ABC rinde ahora homenaje al que fuera el dibujante español más popular de su tiempo, del que siempre destacó su virtuosismo a la hora de poner en pie un retrato humorístico de las clases sociales de su tiempo exento de acritud –de ahí el título de la muestra–

La exposición antológica, comisariada por el guionista, crítico y comisario Felipe Hernández Cava, expone al público por primera vez un total de casi 200 obras originales del artista divididas de forma cronológica en tres secciones:

• Los primeros años en Madrid.

La exposición comienza mostrando sus trabajos para la revista Blanco y Negro, pero también para las sucesivas publicaciones de la empresa, como el diario ABC, el semanario satírico Gedeón o el suplemento infantil Gente Menuda.

• Los años de París.

Diez años después, sin embargo, el dibujante decide dejar atrás todo para probar fortuna en París y vivir de cerca la mítica bohemia de aquella urbe y aunque no alcanzó el éxito que esperaba, sí que mantuvo durante un tiempo su colaboración con Prensa Española.

• El éxito en Madrid.

En 1921 comprende que se le está olvidando, y que además empieza a surgir con fuerza una nueva generación de humoristas de criterios más vanguardistas, por lo que decide volver, y gracias a su chiste diario para ABC, en los años que van desde ese instante hasta el de su muerte, alcanzará una popularidad que jamás hubiese imaginado.

Datos de la exposición

Lugar: Sala Cubo del Museo ABC. Calle Amaniel 29-31. Madrid
Fechas: Del 4 de abril al 16 de septiembre de 2018
Horario: De martes a sábado de 11 a 20 horas - Domingo de 10 a 14 horas
Entrada: Gratuita

Más información

| Página web del Museo ABC |

Autores de tebeos españoles a recordar y reivindicar. José Cabrero Arnal (2/2)

José Cabrero Arnal (1909-1982)
Historietista y caricaturista español, más conocido por C. Arnal.
Uno de los primeros dibujantes en España en utilizar los bocadillos en sus historietas; y el creador del perro Pif, uno de los personajes más conocidos y queridos en Francia, junto a Tintin, Spirou, Lucky Luke o Asterix.

Autores de tebeos españoles a recordar y reivindicar. José Cabrero Arnal (2ª parte)

Su período en Francia

Pero la vida, al fin le va a volver a sonreír.

La Cruz Roja Republicana puso en contacto a Arnal con miembros del Partido Comunista Francés, quienes conocían sus habilidades a los lápices y su pasado profesional como dibujante de historietas y tiras cómicas. Le propusieron realizar esos trabajos para el periódico del partido L'Humanité y Arnal deseoso de trabajar, aceptó.

Para dicho periódico, Arnal realizaría tiras con contenido político para el público adulto. Y, para el suplemento dominical semanal L'Humanité Dimanche, desarrolló a partir de 1946 historietas como Clopinet, protagonizada por un niño; Le Canard Oscar, serie posteriormente renombrada Becdor; o Bouledegomme et Zéphirin.

Álbum publicado en 1947
Recuperando las planchas de la serie Becdor
con dibujos de C. Arnal y textos de Pierre Camus

Poco después de empezar a colaborar con L´Humanité, es requerido para colaborar en la revista Vaillant, un semanario infantil creado por miembros de la Resistencia Francesa. Y durante varios años compagina la colaboración en ambos medios.

Para Vaillant crearía en 1946 la serie Placid et Muzo, las aventuras de un oso y un zorro. En los inicios de la serie, los diálogos en verso eran de Pierre Olivier -editor de Vaillant-.

Con esta serie obtendrían un gran éxito.

En 1949, Arnal y Olivier también convertirían Placid et Muzo en tira periodística publicada en Dimanche Fillettes. En 1950, Eugène Gire realizaría una tira diaria protagonizada solo por Muzo, titulada Muzo le renard.

La serie Placid et Muzo en Vaillant fue continuada -entre los años 1959 y 1985- por Jacques Nicolaou, y posteriormente por Michel Motti.

A pesar del éxito de Placid et Muzo, la creación más famosa de C. Arnal no había nacido aún; lo haría en el mes de marzo de 1948 en L´Humanité. Se trata de Pif le chien. (una variante gráfica del perro Top que Arnal había creado en los años 30, en su etapa española).

En el año 1950 aparecería en las tiras de Pif, el gato Hercule. Juntos correrían mil aventuras.

Desde el 14 de diciembre de 1952, Pif le chien se publicaría en color en la revista Vaillant.

En Vaillant, la popularidad de Placid et Muzo fue rápidamente superada por Pif le Chien. Arnal había convertido a Pif en un auténtico fenómeno social y contaba con un gran número de merchandising en torno a los personajes de la serie. La revista incluso fue renombrada Le Journal de Pif en 1966, y luego Pif Gadget en 1969.

Pero para entonces, la producción de Arnal se había ralentizado debido a problemas de salud. En realidad nunca se había repuesto del todo de las calamidades vividas durante la guerra.

A finales de la década de los años 1950 y principios de la década de 1960, el autor principal de Pif le Chien fue Roger Mas, que ya había sucedido a Arnal en la tira diaria de L'Humanité en 1950. Mas amplió el universo de Pif añadiendo varios personajes al elenco. Por ejemplo, el hijo de Pif, Pifou, personaje que tendría años después su propia serie. Mas fue sucedido por Louis Cance en 1967, al que seguirían otros muchos autores.


Además de estas colaboraciones mencionadas en L'Humanité y Vaillant, C. Arnal también colaboraría en otros medios, creando nuevos personajes o continuando series creadas por otros autores.

Por ejemplo, en el suplemento Gavroche de L' Avant-Garde retoma Les Aventures de Gavroche (1946-1950), Nouche et Nigo para la revista para niñas Vaillante (1947), o Fifine et Fofon para la revista Pipolin (1957).

Arnal también colaboró ​​con Pierre Olivier en el lanzamiento de la publicación infantil Roudoudou les Belles Images en Éditions Vaillant en 1950.

El 7 de septiembre de 1982, Arnal fallece en Antibes, un día después de cumplir 73 años.

Un año después del fallecimiento de José Cabrero Arnal, la Editorial La Farandole -perteneciente al Partido Comunista Francés- publicaría C. Arnal. Une vie de Pif, un libro homenaje a C. Arnal, escrito por René Moreau -ex-director jefe de Vaillant-, que hace un repaso a su vida y a su obra.

En el año 2011, Philippe Guillen, un profesor de historia y dibujante francés, nieto de exiliados aragoneses, publicaría en Francia José Cabrero Arnal, de la république espagnole aux pages de Vaillant, la vie du créateur de Pif le Chien. En este enlace podéis ver algunas de las páginas de la obra.

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Entrevista a Bartolomé Seguí. 3ª parte

Y llegamos a la 3ª y última parte de la entrevista a Bartolomé Seguí

Los que no hayáis tenido la oportunidad de leer las entradas anteriores, podéis hacer click en este enlace para leer la 1ª parte, y en este enlace para leer la 2ª parte.

En esta ocasión nos centraremos en preguntas sobre la forma de trabajo de Bartolomé, así como sobre la obra final y algunas cosillas más.

No digo más. Ya sabéis: Tomad asiento, poneos cómodos y disponeos a disfrutar con la lectura de lo que nos cuenta Bartolomé Seguí.

Entrevista a Bartolomé Seguí. 3ª y última parte

Sobre su forma de trabajar

• En gran parte de tu obra trabajas con guionistas. ¿Prefieres trabajar en equipo? ¿Qué ventajas tiene para ti?

No es una cuestión de preferencias. Digamos que cuando alcanzo cierta madurez, me doy cuenta de que soy mejor dibujante que guionista, y que, si quiero seguir realizando una obra madura y con cierto peso, es mejor acompañarse de un profesional de la escritura y concentrarme en hacer lo mejor que sepa en mi parcela del equipo. En nuestro país, supongo que en parte por culpa de la crisis que siempre acompaña este medio, el dibujante ha acarreado normalmente con texto y dibujo. Y bastante bien en muchos casos.
Pero, saber dibujar no significa saber escribir, y yo reclamo el valor de la escritura en el cómic, como una parte tan o más importante que el dibujo. Es algo que tienen muy asumido en Francia, donde algunos guionistas son más valorados que los propios dibujantes. Rodearme de buenos guionistas supone tener ciertas garantías de que, al menos, en ese aspecto, el esqueleto de la obra será sólido. Tan sólo queda cumplir con mi parte lo mejor que sepa.

• ¿Los diferentes proyectos vienen propuestos por el guionista o en alguna ocasión la idea surge por tu parte y pides a un compañero que te haga el guión?

En el caso de Felipe Hernández Cava, salvo algunos comentarios sobre preferencias de épocas o escenarios que me apetezca dibujar, la propuesta es 100% creación suya. Con Historias del barrio, únicamente empujé a Gabi a guionizar sus historias. Carvalho, me llegó cuando ya el guión estaba hecho.

Las serpientes ciegas
Esbozo de una viñeta

Las serpientes ciegas
Viñeta a lápiz

Las serpientes ciegas
Viñeta finalizada

• ¿Cómo es ese trabajo en equipo? ¿Con todos ellos trabajas de igual manera o es diferente en cada caso? ¿La relación con el guionista dura durante todo el proceso?

Me gusta pensar que hay una confianza mutua entre el guionista y yo. Una seguridad en que cada uno pone todas sus aptitudes en hacer lo mejor posible su tarea. A partir de eso, una vez recibido el guión, necesito apropiarme de él, asimilarlo, y, olvidarme de que ese guión pertenece a otro. Necesito sentir cierto margen de libertad, aunque luego sea muy escrupuloso respetando las indicaciones.

• ¿Intervienes de alguna manera en el guión?

No. Eso no quiere decir que, en el momento de la paginación no pueda introducir algunos cambios. Con Historias del barrio, el guión no estaba dividido por páginas, y eso me daba más libertad a la hora de desarrollar una escena. Pero en general, toco poco de los guiones.

Esbozo o boceto de una página de
Historias del barrio. Caminos

• Una vez con el guión en la mano ¿cómo te documentas para el posterior diseño de personajes? ¿Su aspecto viene ya impuesto en el guión o tienes carta blanca en este tema? ¿Tomas como modelo alguna persona real para dibujar tus personajes?

Como he comentado antes, me gusta acudir a las referencias cinematográficas, así que, en cada nuevo trabajo, suelo comentar con el guionista qué actor o actriz sería el rostro ideal para cada personaje. No se trata de una imposición, pero me ayuda a la hora de imaginarme las reacciones de ese personaje.

• Y ¿para documentarte sobre escenarios o decorados? ¿Realizas tú este trabajo o lo hace el guionista?

Cuando hacía mis historias costumbristas situadas en Barcelona, solía acudir a los escenarios para tomar apuntes, pero, con la aparición de Google y Google Street, esa parte del trabajo se ha simplificado. Hay veces en que el mismo guionista es quien me pasa esas localizaciones, y otras soy yo quien las busca.

Hágase el caos. Umbra
Esbozo

Hágase el caos. Umbra
Lápiz

Hágase el caos. Umbra
Color

• Háblanos de tu sistema de trabajo a la hora de ponerte a dibujar. ¿Qué pasos sigues? ¿Boceto, lápiz, tinta, color?

En general hago primero en el ordenador una paginación para distribuir las viñetas, ver lo que ocupan los textos y situar los bocadillos. Hago una impresión de esa página a un tamaño muy pequeño (inferior a un A5), que me sirve para abocetar y situar, sin mucho detalle, lo que aparecerá en cada viñeta. Escaneo esa página y la imprimo al tamaño final para poder trabajar ya un lápiz definitivo con todos los detalles. Ese original definitivo es el que escaneo de nuevo para montar la página y comenzar con el color digital.

• ¿Trabajas a mano o en el ordenador? ¿Qué herramientas utilizas?

La parte del dibujo es siempre manual. Me parece que el trazo digital, nunca será el mismo que el del lápiz o la pluma sobre el papel. Igual es cosa de piel, pero ya he llegado tarde para otra cosa. Para el color sí utilizo técnica digital; ahora bien, doy el color como lo daría si pintara realmente sobre papel. Siempre he trabajado con photoshop, eso sí, a un nivel de usuario más que básico. Ya me vale.

Las oscuras manos del olvido
Antes y después de darle color

• ¿Cambias tu estilo gráfico o tu sistema de trabajo dependiendo de la temática de la obra?

Sí, como he comentado antes, me gusta adaptarme y probar estilos diferentes.

• Aún trabajando con guionista, imagino que gran parte de tu trabajo se realiza en solitario. ¿Cómo se lleva esa soledad ante el papel o la pantalla del ordenador?

Dibujar es un trabajo solitario, y las nuevas tecnologías permiten la comunicación automática a distancia, así que, tanto con Gabi, Felipe o Hernán, apenas hemos necesitado vernos para trabajar en los proyectos en común. De hecho, con Ferran Aguiló, el guionista de la tira que dibujo para el periódico Última Hora de Mallorca, contactamos a diario vía whatsapp.

Una de las tiras cómicas que Bartolomé Seguí
realiza junto al guionista Ferran Aguiló
bajo el seudónimo de Tueldús
Para el periódico Última Hora de Mallorca.

• En general ¿cuánto tiempo puede pasar desde que nace la idea de una historia hasta que finalmente se publica?

Un año y medio como mínimo. En algunos casos, más. ¿Quién dice que dibujar un cómic es fácil?

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Sobre la obra final, tal y como llega al lector

• Una curiosidad personal ¿quién decide el título de tus obras? Por ejemplo, "Las serpientes ciegas" o "Las oscuras manos del olvido" me parecen unos grandes títulos; en mi caso particular solo por el título ya despierta mi interés sobre la obra.

Normalmente el guionista. Y ya me parece bien.

• La portada es otro de los aspectos importantes ¿quién no compró un cómic en alguna ocasión por su portada? En tu caso particular, ¿quién decide la portada: los autores, el editor,..?

Ahí, puede haber de todo. Las editoriales pueden influir en que la cosa vaya de una determinada manera. Pero en mi caso, he sido yo quien ha acabado decidiendo. Y he de decir que siempre he tenido absoluta libertad para hacerlo. Cosa que siempre me ha extrañado, pues para mi es la parte más difícil del trabajo: sintetizar en una imagen la historia y que resulte atrayente para el lector.

Portadas de algunas de las obras más recientes de Bartolomé Seguí

Portada de Carvalho. Tatuaje

• Aunque pueda parecer obvio, también es importante el texto que figura en la contraportada para saber un poco de qué trata la obra. Cuando hojeamos un cómic antes de decidir su adquisición, podemos a simple vista ver si nos gusta gráficamente, pero el único dato que nos da -ese libro que tenemos en nuestras manos- sobre el guión es precisamente ese texto de la contraportada. Para ti ¿qué es más importante el guión o los gráficos?

Como dibujante, en mis comienzos, eran los dibujos los que llamaban mi atención. Uno se fija en esos autores que admira (y quién sabe si aspira a emular algún día), cegado por un talento portentoso: Moebius, Breccia…
Con los años, descubres que en este medio tiene tanta o más importancia la narrativa que el dibujo, así que ahora me interesan autores que saben narrar, aunque dibujen peor. El dibujo por sí solo es únicamente virtuosismo.

• ¿Los autores tenéis algún control sobre la edición de vuestra obra, en cuanto a su tamaño y formato del libro, el tipo de encuadernación, la calidad del papel utilizado, colores...? Es decir, ¿tenéis algún control sobre el producto final?

Supongo que hay de todo. Habrá autores que deciden controlar hasta el último aspecto de la edición. Yo, en ese sentido no soy nada quisquilloso y, salvo algunas sugerencias, confío plenamente en el criterio de los editores.

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Y, además...

• ¿Qué tipo de obra te gusta llevar a cabo? ¿Alguna preferencia en cuanto a su temática o género?

La única exigencia que le pongo a un trabajo es que me interese lo que va a contar. Y que no sea un suplicio como dibujante. Por mucho que sea un género que me encanta, sería para mí una tortura dibujar un western: ¡odio dibujar caballos!

• ¿De qué obra (u obras) te sientes más satisfecho o más orgulloso? ¿Por qué?

Me siento satisfecho e insatisfecho de todas a partes iguales. Las disfruto mientras las dibujo, pero, una vez impresas, sólo veo cosas que mejoraría. Pero no reniego de ninguno de mis trabajos y los asumo a todos con sus deficiencias como parte de una constante evolución como autor. Si tengo que escoger una, diría que Historias del barrio.

• ¿Qué me dices de “La superioridad” o “Ven que te mate”, obras tuyas que no llegaron a ver la luz? No sé si habrá alguna más por tus cajones. En cualquier caso, ¿llegarán a publicarse algún día?

Ya me gustaría que sí, porque son dos trabajos de los que estoy totalmente convencido de su interés; pero son obras inacabadas, que necesitan de su respectivo tiempo para acabarlas, y eso es lo complicado en estos momentos.

Una página de La superioridad
Obra inconclusa de Bartolomé Seguí y Felipe Hernández Cava

• ¿Cómo ves como autor el panorama actual de la historieta en España? Creo que es una época dulce para el aficionado por varios motivos, pero ¿también lo es para los autores?

Para el aficionado, sin duda. Estamos viviendo posiblemente una segunda época dorada del cómic, con multitud de propuestas interesantes. Con enorme variedad de temas y estilos, y, finalmente, con cierto prestigio o reconocimiento que avala al medio como un arte más: aparecen propuestas en los museos, la prensa nos trata bien, y ya pocos se atreven a descalificar al cómic.
Para la mayoría de autores ya no lo tengo tan claro. Es evidente que vivir de la cultura, ya seas escritor, cineasta o pintor no es fácil. Así que dudo que nadie se meta a dibujante de cómic pensando en hacerse rico.
Nuestro sueldo, como el de los escritores, viene marcado por el 10% del PVP de nuestras obras, y la tirada media en España apenas supera los 1.500 ejemplares. No se trata de ponernos dramáticos, pero con anticipos que rozan los 2.000€, saca cuentas de cuánto supone al mes dibujar una novela gráfica de ciento y pico páginas, si solo cuentas con el mercado nacional.
Es más que evidente que dibujar comics supone una dosis extra de pasión por tu trabajo, y de que, como escuché decir recientemente a Howard Chaykin, nadie dibuja cómic como segunda opción. La parte buena es que los mercados internacionales son cada vez más asequibles y que el talento nacional es muy alto.

• Y, para finalizar, ¿qué consejos le darías a alguien que quisiera dedicarse al medio?

El único consejo que me atrevo a dar es que, si te gusta dibujar cómics, y tienes verdadera afición, no lo dejes. Persevera en ello. Dibuja cada vez mejor, pero no olvides que se trata también de contar historias que interesen a los lectores, y eso es un extra que no está incluido en el dibujo. Si no tienes nada que contar o no sabes cómo, asóciate con un guionista, o adapta alguna obra (libre de derechos, o no), y adelante.

Muchísimas gracias por tu disponibilidad y tu tiempo. Ha sido un verdadero placer poder contar con tu participación en esta sección de entrevistas que inauguro contigo. Gracias de corazón, Bartolomé.

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Entrevista a Bartolomé Seguí. 2ª parte

Ha llegado el día de seguir con la entrevista que tuve ocasión de realizarle a Bartolomé Seguí. Si os habéis perdido la primera parte, en la que nos habla de su infancia y juventud como lector y de sus inicios profesionales, podéis leerla en este enlace.

En esta ocasión, Bartolomé nos hablará de su consolidación como autor y del reconocimiento profesional, con la obtención de varios premios, entre ellos el Premio Nacional del Cómic en el año 2009.

Ya sabéis: Tomad asiento, poneos cómodos y disponeos a disfrutar de lo que nos cuenta.

Entrevista a Bartolomé Seguí. 2ª parte

Consolidación y reconocimiento profesional

• Nos situamos ya en el año 2008. Un año que -imagino- fue muy importante para ti. El año de la publicación de "Las serpientes ciegas". Un cómic que os aportó a Felipe Hernández Cava y a ti grandes éxitos, como los premios del Salón del Cómic de Barcelona o el Premio Nacional del Cómic, entre otros. ¿Qué significa tener premios de esta categoría? ¿Qué aportan aparte de la satisfacción personal del reconocimiento?

Cualquiera que diga que no le importan los reconocimientos, está mintiendo. La esperanza de que el trabajo que uno hace sea valorado subsiste detrás de cada trazo, aunque sólo sea al nivel de la satisfacción que da saber que uno está haciendo una buena obra. Evidentemente uno no puede plantearse su carrera a la caza de los premios, porque estos son, muy a menudo, una lotería que depende de muchas más cosas que los méritos intrínsecos de la obra: de la composición del jurado, de los méritos de otros trabajos, de los que se votó el año anterior... así que lo mejor es no pensar mucho en ellos.
El Premio Nacional fue sobretodo un regalo para mis padres en el sentido que les reconcilió con esa locura que mostré de chaval para dedicarme a esto de los tebeos. Lo mejor que tiene que te hayan concedido tal o cual premio, es que puedes olvidarte de ello y concentrarte en los que de verdad importa: que tu trabajo sea mejor que el anterior.

Las serpientes ciegas

• Háblanos de "Las serpientes ciegas": Si mis datos no son erróneos, primero se publicaron tres capítulos en la revista BD Banda y luego la obra completa en un álbum (tanto en España como en Francia) ¿es así? ¿Cómo surgió este proyecto? ¿Cómo fue su desarrollo? ¿Cuánto tiempo le dedicasteis a "Las serpientes ciegas"?

Aunque siempre he tenido mucho trabajo en la ilustración, y que esta ha sido siempre más rentable que los cómics, nunca he podido dejar de pensar en proyectos de cómic. Hay que tener en cuenta que la crisis de los 90 se llevó por delante casi todas las revistas que hasta entonces permitían al autor ir publicando sus páginas y cobrar su trabajo mes a mes antes de que se recopilaran en un libro; a comienzos de nuevo siglo, el mercado había cambiado radicalmente y, como ahora, el autor debía presentar ya una obra totalmente acabada, y de bastantes más páginas que las 46 habituales de un álbum. Era el comienzo de la novela gráfica. Así que sacar adelante un proyecto suponía muchos meses de trabajo y una remuneración, si se enfocaba únicamente en el mercado nacional, a todas luces insuficiente.
Apuntar al mercado francés fue simplemente un ejercicio de supervivencia: si quería seguir en esto de los cómics debía realizar una obra más sólida y madura que la que había hecho hasta entonces. Tuve claro que el primer paso era contar buenas historias y que para ello (en mi caso), lo mejor era unirse a quien supiera escribirlas. La elección no me pillaba lejana, pues conocía a Felipe Hernández Cava, uno de los mejores guionistas que ha dado este país, para quien ya había dibujado algunos de sus guiones. Tenía claro que quería cambiar de registro haciendo una historia de género y le comenté que me gustaría dibujar una historia ambientada en el Nueva York de los años 30 (dio la casualidad de que ambos teníamos el mismo libro de la fotógrafa Berenice Abbot "Changing New York"), y que el protagonista, viajase a España para luchar en las brigadas internacionales en la guerra civil española. A partir de ahí, Felipe puso todo su talento en construir el excelente puzzle que fue "Las serpientes ciegas".
Kiko da Silva acababa de lanzar el proyecto de una nueva revista Bd Banda y le ofrecimos las páginas. Coincidió el primer número con el viaje a Angulema donde dejamos en la mayoría de las principales editoriales francesas, un dossier con esas primeras 8 páginas, y de vuelta en casa, ahí estaba el correo de Dargaud interesándose por el proyecto.
Una vez confirmada la publicación, Felipe y yo fuimos encadenando capítulos en un proceso que nos duró unos 15 meses.

Las serpientes ciegas

• Casi todas tus obras anteriores eran en blanco y negro. ¿Es así? En cualquier caso, ¿cómo te enfrentaste por primera vez al color? Para esta obra en concreto ¿es importante el color? ¿Es un elemento más de su trama?

Mis primeras obras en blanco y negro son recopilaciones de historias publicadas en revistas. Mi primer trabajo en color fue la serie Héctor y Rita, publicada en El Víbora, pero por la crisis hizo que no se recopilara en libro.
Entre ese primer trabajo y Las serpientes ciegas, hay un cambio vital en el proceso de trabajo, y es el paso del color manual al color digital. Yo no soy nativo digital; de hecho coloreo como lo haría si empleara unas témperas o una acuarela, pero el trabajo con paletas digitales me ha permitido estructurarme mejor a la hora de atacar el color de una obra.
En Las serpientes ciegas el color es esencial, pues funciona como un elemento dramático más, que ayuda no únicamente a ambientar la época retratada, sino también apoya el trazo del dibujo para reforzar ese punto vintage.

Las serpientes ciegas

• En alguna viñeta de esta historia, aparece la reproducción de un cuadro de un pintor conocido (no diré cuál, para no desvelar nada), ¿sueles utilizar obras de arte de otras disciplinas para inspirarte gráficamente, o para utilizarlas en la escena de la historia como mero decorado o como parte de la historia?

La pintura y el cine son siempre un referente al que acudo en todos mis trabajos. En Las serpientes ciegas, flota la presencia de Norman Rockwell, Edward Hopper, también el trazo de Daumier...
El caso que comentas tiene más relación directa con la historia concreta que cuenta el libro, y a punto estuvimos de no poder usarlo.

Hágase el caos. Lux

• A esta obra le sigue "Hágase el caos" publicada en dos volúmenes. Obra guionizada una vez más por Felipe Hernández Cava. Se trata de una elaborada trama de espías en un contexto histórico muy concreto. ¿Exigió una investigación exhaustiva del periodo histórico y de los lugares en donde se desarrolla la trama? ¿Qué hay de cierto en lo que se relata en la obra?

Puedo asegurar que la investigación que realizó Felipe H. Cava del contexto histórico, conociéndolo, fue más que exhaustiva. En esta obra, Felipe vuelve a situar a un anónimo protagonista ante el arrollador paso de la historia, y, a través de una clásica trama de espías, aprovecha para explicar la convulsa situación yugoslava en la guerra fría que acabó generando uno de los peores conflictos bélicos en territorio europeo más reciente.
Hablar de certezas en Historia ya es más complicado, pues, ni aún con el paso de los años, el juicio de los acontecimientos -de este y de cualquier otro hecho histórico-, puede evitar el sesgo, bienintencionado o no, de que sea una mirada u otra quien juzgue. Pero sí, hay hechos de los episodios de Barcelona y en las cuevas de la batalla final que están bien documentados.

Hágase el caos. Umbra

• Otra de tus obras es "Historias del barrio", en esta ocasión con otro guionista -Gabi Beltrán-. Para esta obra cambias completamente de género con respecto a tus dos obras anteriores que podríamos englobar dentro del género policiaco o de género negro. En "Historias del barrio" nos encontramos con unas memorias autobiográficas del propio guionista de la obra Gabi Beltrán. Llama la atención que Gabi, siendo él también dibujante, haya preferido que lo dibujaras tú y no él. Supongo que la pregunta se la tendría que hacer a Gabi, pero seguro que tú sabrás algo al respecto. ¿Nos lo cuentas?

Bueno, con Historias del barrio vuelvo a esas historias autobiográficas y costumbristas como las que comencé a publicar en El Víbora; aunque esta vez lo haga con la biografía de otra persona, marcada por una infancia mucho más difícil. Conozco a Gabi desde cuando él comenzaba a dibujar y, en las quedadas que a veces hacíamos los dibujantes que estamos en Mallorca, escuchábamos algunas de sus historias. Cuando más adelante él comenzó a relatarlas en su blog, muchos le dijimos que tenía que dibujarlas. Si has leído el libro puedes entender que son historias de una infancia difícil a la que no tiene que ser fácil enfrentarse y Gabi no se sentía con ganas y fuerzas de sumergirse con toda la intensidad que supuso meses de trabajo de dibujar los dos tomos. Le dije que si él escribía el guión yo me ofrecía a dibujarlo. Nos presentamos al Premi Ciutat de Palma de Còmic en su primera convocatoria y ganarlo fue el acicate definitivo para ponernos a ello.

Historias del barrio

• Es cosa mía, o en "Historias del barrio" tu estilo gráfico varía con respecto a "Las serpientes ciegas" o "Hágase el caos", e incluso el coloreado es totalmente diferente. Corrígeme si me equivoco. Si es así ¿cuál es el motivo de ese cambio?

Durante muchos años estuve buscando un estilo que me definiera, pero siempre me ha gustado cambiar de trazo y adaptarme a lo que creo que le va mejor, gráficamente, a la historia. Quizás esa capacidad de adaptación ha permitido que haya colaborado en revistas y trabajos tan diferentes. En este caso, las Historias de Gabi eran muy duras: marginación, delincuencia juvenil, malos tratos, prostitución, drogas... pero, lo que más sorprende de ellas, es que, contrariamente a lo que parece, todas destilan una gran ternura y respeto por los personajes que retrata. Esa capacidad de la escritura de Gabi de superar lo personal y convertir las andanzas de la pandilla de chavales en el barrio chino de Palma en algo universal es lo que cautiva del libro. Podíamos haber optado por un dibujo más realista, pero creo que hubiera quedado una historia demasiado dura y estuvimos de acuerdo en reforzar esa ternura y optamos por un dibujo más naif e ingenuo.
El coloreado es de Gabi Beltrán, así que es una historia totalmente a cuatro manos.

Historias del barrio. Caminos

• Háblanos ahora de "Las oscuras manos del olvido", con guión de Felipe Hernández Cava, y con ETA de telón de fondo. ¿Cómo surge la idea de tratar esta temática? ¿Cómo afrontáis el tema, desde qué punto de vista?

Hay que decir que en nuestra relación con Dargaud siempre tuvimos total libertad para decidir los temas de cada uno de nuestros trabajos. Cuando Felipe me entrega las últimas páginas de guión de Hágase el caos, me propone cerrar su trilogía de personajes batidos por la Historia, con un álbum que dé voz a las víctimas de ETA. Como pasa en casi todos los conflictos, cuando llega el momento de cerrar las heridas, la memoria de las víctimas suele ser la primera sacrificada en aras de una pretendida reconciliación.
Anunciada la tregua de ETA, estábamos comenzando a asistir a los primeros relatos de esa mancha negra en nuestra historia reciente, y ese libro fue nuestro particular homenaje a esas víctimas que corrían el peligro de ser olvidadas. Felipe, reconocido admirador de Albert Camus, tejió una precisa historia de venganza ejecutada a través de un asesino de la mafia marsellesa, sin escrúpulos, pero con honor, que, en su búsqueda de la sombra, recorre los escenarios humanos que padecieron el terrorismo.
Las oscuras manos del olvido intenta rescatar de ese olvido a las víctimas de cualquier conflicto, a la vez que denuncia ese silencio cómplice de una sociedad enferma, como lo es la ciudad sitiada por la peste de la famosa novela de Camus.

Las oscuras manos del olvido

• ¿Fue difícil publicar esta obra por su temática? Una vez publicada ¿cómo fue recibida?

Bueno, lo valiente hubiera sido hacerlo en los años de plomo. ETA había anunciado 3 años antes el “cese definitivo de la actividad armada”, así que, aunque seguía siendo un tema espinoso, había cierta tranquilidad, y nos pareció un buen momento para decir la nuestra. Creo que recibimos halagos y críticas a partes iguales de la derecha y de la izquierda, así que asumo que fue una obra cuando menos incómoda para todos. Lo que en cierta manera nos satisface. Prefiero los matices al blanco o negro, y, aunque nuestra postura es menos reconciliadora que la que muestra Isusi en He visto ballenas, me reconforta pensar que dejamos escrito algo necesario.

Las oscuras manos del olvido

• Que yo sepa, en España solo se publicaron dos cómics hasta la fecha sobre el tema de ETA, uno es este y el otro es "He visto ballenas" de Javier de Isusi. Ambas publicadas curiosamente el mismo año -2014- y ambas muy diferentes. ¿Por qué crees que se tocó este tema en el noveno arte en tan pocas ocasiones? ¿Cómo lo ves?

En 2012 Ramón de España y Sagar Forniés habían publicado La ola Perfecta en la que ya aparece el tema del terrorismo de ETA, aunque pese más en la trama esa historia de amor y redención. Que aparecieran dos cómics con esa temática tan de actualidad en tan breve espacio de tiempo, creo que fue síntoma de la madurez del cómic para tratar cualquier asunto.

Las oscuras manos del olvido

• Y llegamos a tu última obra publicada hasta la fecha. "Tatuaje", adaptación de la novela de Alberto Vázquez Montalbán, protagonizada por Pepe Carvalho, con guión de Hernán Migoya. ¿Cómo surge este proyecto? ¿Quién o quiénes deciden emprenderlo y eligen quienes serán su guionista y su dibujante?

He de decir que soy el último en apuntarme al proyecto, cuando el guión de la primera novela ya está acabado y su adaptación en cómic, aprobada.
Por lo que sé, la cosa se materializa en un encuentro entre Daniel Vázquez Salles (hijo de Manuel Vázquez Montalbán) y Hernán Migoya, en la que este le propone adaptar al cómic las novelas de Pepe Carvalho. Sorprendentemente, la literatura española tiene pocos personajes con tanto empaque como Pepe Carvalho, de quien se habían hecho numerosas adaptaciones cinematográficas, pero nunca se había planteado la posibilidad de pasarlo a viñetas. Hernán pasa la propuesta a Norma editorial quien cierra con Balcells, la agente de Montalbán, la adaptación de las tres primeras novelas, y a mí me llega el guión como una oferta que no puedo rechazar.

Carvalho. Tatuaje

• ¿Es la primera vez que trabajas en una adaptación de una novela? ¿Se trabaja igual que en cualquier otro caso o no? ¿Cuántas adaptaciones haréis de las novelas protagonizadas por Pepe Carvalho?

Sí. El trabajo es básicamente el mismo. Digamos que, en el caso de Carvalho, la importancia de la obra de Manuel Vázquez Montalbán y de un personaje de tan carismático como Pepe Carvalho, impone un poco más de respeto. De momento hemos firmado para adaptar las tres primeras novelas: Tatuaje, La soledad del mánager y Los mares del sur.

Carvalho. Tatuaje

• ¿En qué andas ahora? Imagino que, liado con el segundo tomo de la serie de Pepe Carvalho, ¿no? ¿Lo compaginas con algún otro proyecto?

Como dices, por lo que hace a cómic, estoy totalmente centrado en el segundo Carvalho. La soledad del mánager. Trabajar en una serie tiene sus obligaciones, y una de ellas es el calendario. Hasta Carvalho, no tenía ninguna apretura de agenda por parte de la editorial, trabajaba a mi ritmo y eso permitió, compaginar Hágase el caos con Historias del Barrio, y Las oscuras manos del olvido con Historias del Barrio. Caminos.
Es también una cuestión económica. Dibujar un cómic es una labor inmensa, muy mal pagada, en proporción, si la comparamos con la ilustración. Así que no puedo dejar de lado encargos que ayudan a pagar la hipoteca. Ahora mismo es imposible trabajar en dos libros a la vez.

Carvalho. Tatuaje

Hasta aquí la segunda parte de la entrevista. 

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